Nicolas Beidacki _
Além dos trabalhos artísticos, você possui um extenso projeto teórico – extremamente diversificado – onde reflete e discute aspectos de sua própria produção e da arte contemporânea. Como você interpreta o papel do artista contemporâneo nessa possibilidade da conceitualização e teorização?

Ali do Espírito Santo _
Estamos vivendo o tempo do Fim. O desmantelamento dos estados de bem estar social, as promessas de emancipação, a crise climática, tudo parece estar desabando. E de fato está, mas isso não é novidade, vem acontecendo faz vários anos. Então, aquela promessa da “culturalização” do ocidente como forma de levar adiante o projeto de uma modernidade bastante específica, que se instaura no final dos anos 80 com o modelo do “Museu Commodity” também vem definhando de modo incontrolável. Me parece que as elites que anteriormente patrocinavam essa especulação financeira na arte, ou deram uma guinada de fato para a extrema direita, ou não se interessam mais tanto por esse mercado.
Obviamente, o que ocorre com esse mundo global da arte, afeta ainda mais a periferia do mundo. Aqui, nunca foi tanto o capital externo um regulador desse projeto de culturalização, mas o próprio Estado, o qual, desde as últimas décadas, tem falhado na perseguição de um outro modelo, bastante ambíguo por sinal, que foi o da equação Cultura = Ação Social – um velho acordo que o mundo pós guerra firmou e fez prevalecer até as primeiras décadas da formulação do conceito de Multiculturalismo nos anos 80. Podemos pensar, por exemplo, no imenso corte de recursos que as Bienais latinas sofreram. Uma bienal, é um modelo bastante logístico de organizar as propostas da arte contemporânea num mesmo plano de visibilidade. Esse evento, há alguns atrás, não fazia parte da lógica da instituição Galeria de Arte, tanto que por muito tempo, a questão da “arte política” nas bienais, focava exclusivamente em projetos mais coletivos e voltados para uma inserção comunitária. Altos valores de circulação significavam grandes trabalhos expansivos, sempre com muita colaboração envolvida.
Hoje, já no início da segunda década do século 21, a precarização intensa dos países do sul global, que inclusive está “brasilizando” o norte, impede que pensemos em projetos que possam operar não como produtos finais, mas como processos abertos à grupos que não estão diretamente ligados ao sistema da arte. E em termos de Brasil, esses eventos têm adotado cada vez mais a forma do artista individualizado, ou seja, a velha estratégia das galerias.
Nesses dois exemplos que cito, tanto o Museu Commodity como o da Cultura= Ação Social são problemáticos. Certamente o segundo é mais desejável por ter esse viés mais aberto dos 90 e início dos 2000, o que Foster chama de “artista etnógrafo” devido esse flerte direto com o Outro, e o segundo, é quase um exemplo distante. O que ambos dividem é o fato de apostarem na cultura todas as suas cartas; para um, ela é uma forma bruta de lucro tal qual qualquer outro mercado, e para o outro, uma espécie de fazer político exclusivista da estética que anula as relações concretas da arte, como por exemplo, com as estruturas que sustentam esse sistema. E aí está o grande nó para a maioria dos/das artistas hoje, os/as quais em sua absoluta maioria são também ideologicamente de esquerda. Acredito que estamos imersos nos desdobramentos desse segundo ponto.
O que quero dizer com isso é que tematizar uma questão política na obra não é lá muita coisa. Nessa terceira onda do multiculturalismo, a dimensão histórica das minorias tem sido esvaziada por ações focadas em discussões de ordem muitas vezes de representação, e isso faz com que a tradução estética das políticas de gênero, raça e sexualidade sejam personalizadas na figura de um Indivíduo, quando na verdade se trata a priori e sempre, das dimensões exteriores das opressões, de condições grupais da política minoritária. O sistema de galerias é neoliberal porque sabe filtrar muito bem o peso material das nossas lutas, saindo daí não mais grupos ou coletivos que lutam, mas indivíduos singularizados por um tema específico que está vendendo. Esse revival da galeria hoje, como “espaço único da arte”, deve-se boa parte, por essa revitalização que nós, dissidências, fizemos aí.
Esse talvez seja um dos limbos onde a esquerda dorme seu sono imaterial atualmente, pois acredita que desta culturalização individualizada da política, que por sinal é bastante narcísica e niilista, vai sair alguma nova condição. Não se trata de negar a cultura como processo político, ao contrário, mas de entendê-la como zona de manejo e de intervenção, e de certa forma, buscar desnaturar o modo como essa se apresenta. E se tematizar a política na obra não basta, a Crítica Institucional tampouco pode nos levar a algum lugar em questão de ação política efetiva através da arte. Essas questões se tornam obsoletas pois o momento é complexo em suas múltiplas camadas, parece ser o Fim, mas não é, apenas demanda inteligibilização desse caos através do que a arte pode fazer.

Nicolas Beidacki _
Hoje, depois de alguns anos com práticas diversas na arte contemporânea, é possível dizer que seus trabalhos são estabelecidos a partir da pesquisa da Geoperformance, conceito cunhado por você em 2016? Na concepção prática, como se dá a relação de “Entre o parto e o estrondo” e o termo e suas aplicações? Como se configura a ideia da Geoperformance quando pensada a partir da fotoperformance?

Ali do Espírito Santo _
Sim, esse termo foi cunhado por mim em 2016, após uma residência que fiz com integrantes do grupo POCHA NOSTRA. Algumas questões surgiram desse processo, uma delas foi como podemos acessar o Afecto desde nossas premissas de liberdade, e então poder produzir desvios políticos que favoreçam nossa posição no mundo. Mas isso só veio à tona porque durante a residência esse tema foi tratado de modo convencional, desde um senso comum limitante às condições possíveis da Afecção.
Deleuze e Guattari não são pau para toda obra, mas nesse caso foram muito importantes na formulação desse conceito, e no que eles fizeram com Espinosa. Nessa perspectiva relacional, não há indivíduos, quando falamos, somos produtos de instâncias pré-individuais que nos fazem falar e que não estão nos regimes simbólicos. A questão da Geoperformance é sobre isso, aproveitar a dissonância cognitiva a significante da arte de ação (performance) para criar relação com os afectos, com as exterioridades, com esse pré individual. Há algo antes da estruturação, e não é uma psicologia, mas extrapsicologia. A forma Indivíduo continua sendo um problema, pois a afecção não vem do Eu, “somos afectados antes de nomear”. Nesse sentido, organizei uma série de laboratórios onde esse conceito foi testado, reuni bastante material e talvez saia um livro. Preciso retomar os laboratórios quando essa crise sanitária do covid passar.
Porém, entre o Parto e o Estrondo é um trabalho que está bem fora desse arco da Geoperformance. Procuro construir uma metodologia de produção que seja tentacular, ou seja, que algumas coisas não se encontrem tanto. Isso dá maior fluxo de circulação, e permite não estacionar numa linguagem específica, me agrada bastante essa intensificação do movimento. Esse é um trabalho que fala diretamente sobre a Imagem e como ela tem um poder literal em si mesma de capturar quem a observa, mesmo que de relance. Por isso as construo ora beirando o absurdo, como é o caso do guarda-chuva pegando fogo, ora uso de um metalismo pop das cores.

Isso me interessa muito, porque acredito que essas imagens podem soar herméticas para quem está acostumado com as linguagens da arte contemporânea, mas podem ter também algo de familiar para o público. Como um kitsch às avessas, acho que o que venho fazendo com as imagens tem algo de uma publicidade imagética que toca “nossos corações”, e nos faz agregar o Weird que elas convocam. Essa questão do pop por exemplo, tem uma apelação ao popular num sentido de massificação mesmo, no entanto, isso não está colado apenas nas formas que o mainstream produz, como a pop art fazia nos anos 60, mas no saldo que resta dessa imaginação mercadológica histórica que o público muita vezes tem. É nessa parcela do inconsciente destinada a ser ocupada pela imagem do capital, fonte de imaginação abundante, que essas imagens querem estar.
Sobre a fotoperformance, penso ser um termo recente, mas que soa um tanto deslocado, a meu ver, daquilo que a performance se propõe enquanto relação com o corpo. Tudo que os anos 70 queriam era o rompimento com a pintura, com a mediação estática do espaço, por isso a ruptura da performance. Acho que esse conceito precisa ser mais discutido, pois sua filiação com a fotografia, bidimensional por essência, pode ser um tiro no pé (sem sangue nesse caso, forjado com ketchup rsrsrs). Acho que precisamos falar mais dessa abordagem.

Nicolas Beidacki _
Em alguns textos disponíveis a respeito do seu trabalho, você aborda a questão de ser um artista aconceitual. Como isso se dá numa série de trabalhos que dialogam profundamente com questões relacionadas ao capitalismo, fim do mundo, angústia e desterritorialização? Como podemos separar e/ou compreender a diferença entre aconceitual e apolítico? E ainda: de que forma se relacionam os conceitos de arte e contemporânea e realismo capitalista no teu trabalho?

Ali do Espírito Santo _
Sou um artista tomado pela condução dos conceitos, e não vejo problema algum nisso. Mas como coloquei anteriormente, quando falo da Geoperformane, é que o espaço simbólico não consegue mediar tudo que existe no mundo, há coisas que saltam dessa superfície visível. Alguns trabalhos de performance que faço, tem por objetivo adentrar nessa zona não fenomênica, são trabalhos que envolvem bruxaria, práticas de sigilos mágicos, e muitíssima energia, onde o desgaste posterior é imenso. “A-conceitual” é mais sobre apontar limites na linguagem nesse sentido.
Esses temas que você enumera, fiz aparecer em alguns textos mais antigos que escrevi e que recentemente foram subidos nas plataformas que colaboro. Mas são escritos bem poéticos, onde essas questões aparecem muito soltas. Hoje em dia, esses problemas, que são de ordem estrutural no sistema das artes, me caem de maneira mais direta, por exemplo na competição naturalizada dessa guerra de todxs contra todxs que alguns colegas de trabalho (artistas) insistem. Tem muita ansiedade, um ensurdecimento por fama e visibilidade, competindo por merrecas e produzindo trabalhos apressados sem qualidade “estética”. Isso é horrível.
Sobre o apolítico, algumas pessoas já me perguntaram sobre isso, e entendo que quem lê esses escritos pode chegar nessa associação. No entanto, trata-se de uma provocação subentendida apenas contra essa figura magistral dx Artista Político pseudo engajadx numa causa, mas que opera só como umx commodity de galeria. Precisamos dizer aos ricos proprietários, que suas almas não serão salvas ao tocar em temas como racismo, sexismo e contrassexualidade. Não há purificação nesse jogo para quem nunca vai abdicar de sua estrutura material para de fato ser solidário concretamente a esses marcadores sociais. Penso que precisamos de mudanças estruturais que perdurem no tempo e que possam modificar de fato o sistema de redistribuição de riqueza, e não auxílios temporários no calor de tendências.
Mark Fisher forja esse conceito de Realismo Capitalista em 2009, logo depois da crise do Subprime de 2008. Um momento onde a esquerda mundial já demonstrava-se incapaz de formular alternativas para além do capitalismo. Então, ser realista, é estar conformado com a ideia de que nada há para ser feito, nada pode ser mudado, como se a via neoliberal fosse a única saída, onde um prolongamento infinito dessa ordem tida como natural da realidade é inclusive desejada no âmago libidinal da esquerda. Daí deriva um problema temporal também, pois o futuro desaparece do horizonte do pensável e do possível.
Isso atravessa minha dissertação de mestrado, e também fui o primeiro pesquisador a ligar essa atmosfera de fracasso da esquerda ao campo da arte contemporânea no Brasil, durante esse curso que ministrei, linkando as duas coisas em 2021. Não dá pra falar muito sobre, pois precisaríamos de outra entrevista só para tal. Mas a analogia trata-se de entender que o Tempo orientado ao Futuro foi uma premissa sine qua non para a política da arte no século 20 ( inclusive e também em produções fora da matriz colonial ! ) e que cada vez mais vemos o tempo da arte hoje adentrar num presentismo formal, subjetivo e epistêmico. Essa hegemonia do presente é própria da temporalidade capitalista, uma ideologia em vários estratos sociais, inclusive no sistema da arte. Não se trata de enxergar tradição por futuro nas vanguardas históricas, no entanto havia nesses processos modernos de política artística algo orientado a construir temporalidades diferenciais em relação ao presente. Esse é o meu ponto ao correlacionar o Fisher de 2009 com o niilismo sem futuro da arte contemporânea. Esse é um projeto bastante teórico.
Voltando à questão da Geoperformance, vejo isso mais como uma ferramenta circunstancial, localizada, e que não pode ser posta como uma solução geral. Dizer que o afeto é político não basta, é preciso agir coletivamente, criar instâncias visíveis de ação ambiciosas, rompendo também com esse a “priori” do agir e estar entre iguais.

Nicolas Beidacki _
Em uma das versões de “Entre o parto e o estrondo”, havia a presença do elemento textual sobre o vídeo. Como esse elemento se relacionava com as questões abordadas pela fotoperformance e sob quais circunstâncias ele foi modificado?

Ali do Espírito Santo _
Colocar texto sobre a imagem é algo que me persegue desde 2008. Um dos primeiros trabalhos que fiz em estúdio foi finalizar desse modo, um texto sobre uma fotografia. Nesse vídeo eram trechos da poesia de Roberto Piva Visão de São Paulo à noite -Poema Antropófago sob Narcótico (Paranóia). Acabei tirando essa parte por não ver mais muito sentido visual nessa sobreposição.